三百五十六章 宋韵永存 (第1/2页)

    宋代借三百年昌运盛世，文人雅士烟云供养，或隐居山林，或旷游自然，将对自然的感悟融入禅意生活和文学创作之中。

    宋词无疑是极美的：

    既有“三秋桂子十里荷花”的西湖胜景记录；也有“宝马雕车香满路”的城市繁华的描述。既有“红酥手，黄滕酒”的甜蜜回忆；也有“明月夜，短松冈”的悲伤记忆。既有’无可奈何花落去”的惆怅；也有”一蓑烟雨任平生”的旷达。可以“一种相思，两处闲愁”，更可以“金戈铁马，气吞万里如虎”。如果说唐代鼎盛的背景下，诗歌充满了青春、自由而欢乐的氛围。那么及至两宋，时代精神不在于建功立业，而在于现世人生，不强调世间万物，独在意个人心境，清雅的宋词随之兴盛。

    最早的词是文人写给歌伎传唱的曲子，后来就形成长短不齐的固定句式，对景物进行细致的描述，表达复杂的心境。

    王国维在《人间词话》中言：词以境界为最上。境界是什么？就是真景物和真感情。很多流传千古的好词，都是借助其它事物，委婉含蓄地传递情感，体现了某种胸怀和心境。例如诗人韦庄，擅借美人来表达情感，通过写美人思离别，以此来哀悼唐朝的灭亡。辛弃疾则好用历史典故来表达个人志向。比如，不直白地说要收复失地，而是十分巧妙地用“举头西北浮云，倚天万里须长剑”这样的词句表达。

    无论是盛唐之音，还是宋词之意，其实都是在传递一种胸怀、思想和心境。如果说，境界的高低决定了词的格调，那么从唐诗到宋词审美趣味的变化，就可见时代背景在诗词歌赋上的烙印。一生之中，少年才气发扬，遂为唐体；晚节思虑深沉，乃染宋调。宋词作为文学的一大巅峰，大大拓宽了情感表达的分辨率。

    真正让中国传统绘画大放异彩，走向成熟并影响至今的辉煌时代当属两宋。宫廷美术全盛，画院规模齐备，名家层出不穷，艺术思潮活跃，作绘画品精湛。从唐到宋美学发生质变。唐代绘画偏重人物，宋代则偏爱山水。唐酷爱大红青绿的鲜艳之色，宋则偏好黑白水墨的淡雅之姿。

    宋朝绘画不仅仅是追求技术，更追求画中意境。少了矫饰之气，多了份自然平和。这个时期山水画最大的发展是：哲学影响了山水画的技法。宋朝的哲学非常重视“格物”——认真仔细地观察事物，找出构成事物的道理。“格物”精神运用于绘画，就是对于自然山川：岩石的质地、水流的波纹和树叶的季节等都研究的极为认真细致。如北宋范宽的《溪山旅行图》，瀑布水流从高处激流而下，而下方却只是茫茫水汽，身临其境之感扑面而来。

    再比如南宋马远的《水图卷》，用十二幅画，来描绘不同水在不同地点、不同季节的表现，这都是格物的精神。

    北宋初期秉承五代以来“大山大水”，无论高山林木还是江河湖海，都十分注重气势，或峰峦浑厚、势状雄强的“高远深山”，或烟林清旷、气象萧疏的“平远寒林”。

    其中尤以“三家山水”李成、范宽、董源为代表。

    “宋三家”对自然的理解各异其趣。《画鉴》云：董源得山水之神气，李成得体貌，范宽得骨法，故三家照耀古今，而为百代师法。其中尤以范宽的代表作《溪山行旅图》最具代表性。高山肃穆庄严、矗立静止，而溪水却潺潺流动、动静结合，透出一种非凡的力量，层次丰富，墨色线条力道十足，给人以身临其境之感。《溪山行旅图》中，人只是行于大山大水里极其微小的存在，宋人深谙人生不过广袤宇宙中的匆匆过客，所以用“行旅”而非“旅行”。敬畏自然，留下谦卑，这就是宋人表达的人与自然的关系。

    绘画的民展至北宋中后期，不再单纯讲究线条气势，而更追求一种内在神韵，既精准描绘外在形象，又充分表达内在感情。写实性的全景式山水画发展到极致。中间有继承唐青绿山水的王希孟和赵伯驹。山水画至南宋有所变化，恢宏气势的山水不见，更多的是针对某个特定角度展开创作，讲求秀丽和工整。虽然少了雄浑，但小巧精致的气息扑面而来。

    李唐、刘松年、马远、夏圭统称“南宋四大家”。

    南宋四大家之首李唐开创山水新画风。代表作《万壑松风图》，山水开始带有强烈的感情色彩，浓郁的浪漫主义情调，带动其后山水画的留白之风与文人诗意。

    而马远、夏圭则以“残山剩水”闻名，独创的“角隅法”，以边角窥全貌，取舍剪裁，水墨留白，让画面保持一种清明和空灵，营造出“此时无声胜有声”的意境。雄奇简淡的笔法，水墨苍劲的劈皴，坚实爽朗的浅染，意境清远，回味无穷，充分的体现了宋朝绘画的极简审美。代表作有马远《踏歌图》《寒江独钓图》；夏圭的《溪山清远图》《烟堤晚泊》等。当然，不客气的则批评道，正是南宋的偏安一隅才造成了艺术上的此种取向，缺少了一种豪迈大气。这个说法也不无道理。

    宋代理学倡导“格物致知”，即不试图以技艺感人，更不容流于滥情，而是以敬畏之心回应自然，在细节中体现对比之美，以理性的内省态度，追求近乎理想的真实。

    走进宋画，用心体味，会被一种前所未有的美感所深深打动。

    它温柔不失力量，内敛间或飘溢，和雅绝无燥气。它极尽物态之美，简洁却不简单，于精雕细琢中张扬着自然生命的意象与精神。书法作为线条的艺术，是一个时代美学的集中体现。

    宋代的书法跟水墨山水画一样，不再追求宏伟壮大，更专注于表达自我，追求平淡天真，空灵素雅的意境之美。

    “宋人尚意”指宋朝书法追求意境，而不拘于法度。正如苏轼所言：“我书意造本无法，点画信手烦推求”。

    宋人写字不似唐人般规规矩矩，而是自然随性。透过书法，可以看到书写之人或激动，或悲伤，或洒脱，或潇洒的真性情。

    比如宋徽宗，作为被皇帝耽误的艺术家，字和画都堪称瑰宝。宋徽宗独创的“瘦金体”，如屈铁断金，锋芒毕露，将洒脱的性情和执着表现得淋漓尽致。客观的讲，宋徽宗对中国的书画发展有极大的贡献。

    宋代著名书法家“苏黄米蔡”，即苏轼、黄庭坚、米芾和蔡襄（或者说是蔡京），合称“宋四家”。

    其中黄庭坚比苏轼小八岁，非常欣赏苏轼的人品和才华，两人是师生是至交是知己。苏轼的字略显宽扁，柔和温暖，黄庭坚就笑言是「石压蛤蟆」；黄庭坚的字相对细瘦，曲直相间，苏轼就打趣是「树梢挂蛇」。生动地体现了两人书法的特点。

    苏轼年轻时字写的漂亮，43岁因乌台诗狱被抓，经各方势力极力抢救，后被贬黄州。黄州时期写了“赤壁赋”“念奴娇”等流传千古的宋词、以及唯一留下的书法作品“寒食帖”。“寒食帖”是人生跌了一个大跟头之后所做，苏轼已不在意所谓的美，而是一气呵成自然流畅。这是人生最高境界，很多东西必须在生命不同阶段去领悟。

    后来黄庭坚又在“寒食帖”上题词。两大书法家并列，诠释了宋人尚意的最高典范。宋代笔法豪放而谨严，变化多端而融合；瘦硬遒劲却又刚中有柔，至今仍是公认最高水平的宋代书法作品。

    宋代是瓷业发展史上的“黄金时代”，数量和质量都堪称一流，既有温润的定窑白釉、淡雅的龙泉梅青釉、含蓄